4 Schlüsselkomponenten für einen guten Mix

Das Konzept der Mischung

Wenn man es ganz genau nimmt, ist das Abmischen einfach nur ein Prozess, bei dem die musikalischen Elemente so angepasst werden, dass sie angenehm zu hören sind.

Aber warum ist ein so einfaches Konzept so schwer umzusetzen?

Ein Teil davon ist, dass das Mastering des Mixdowns bedeutet, Objektivität mit Subjektivität zu verbinden. Das bedeutet, dass es letztlich subjektiv ist, was einen Song gut klingen lässt, aber es gibt auch Regeln, die man in der Audiotechnik beachten sollte, damit alles ausgewogen klingt.

Hinter einem Mix steckt viel mehr, als man auf den ersten Blick sieht (oder hört). Hier sind die vier Hauptbestandteile einer guten Mischung.

1. Von Anfang an alles richtig machen

Vergewissere dich, dass du qualitativ hochwertige Aufnahmen und korrekte Signalketten herstellst, bevor der erste Ton in deine DAW gelangt.

Mit all den Fortschritten in der Aufnahmetechnik hat sich die Idee der „Studiomagie“ oder der „Nachbearbeitung“ in den Köpfen vieler Produzenten und Toningenieure fest verankert.

Obwohl es möglich ist, etwas beim Abmischen bis zu einem gewissen Grad zu korrigieren, wird dir ein erfahrener Tontechniker immer sagen, dass es unmöglich ist, aus Müll Gold zu machen.

Im Volksmund heißt es, dass man einen Scheißhaufen nicht polieren kann.

Wenn zum Beispiel dein Schlagzeug grundsätzlich schlecht klingt, erhältst du eine qualitativ schlechte Schlagzeugaufnahme.

Schlechte Gitarre? Ok, dann wird auch die Gitarrenaufnahme schlecht klingen.

Nun, erkennst Du das Muster?



Jede Entscheidung, die während des Aufnahmeprozesses getroffen wird, wirkt sich letztlich auf den Klang der finalen Mischung aus.

Hast du vor der Aufnahme neue Felle auf das Schlagzeug gespannt?

Wurde die Gitarre vor der Aufnahme richtig gestimmt?

Hast du das Hauptgesangsmikrofon richtig verstärkt, so dass die Pegel für deine Hardware (und damit deine DAW) optimal sind?

Ich denke, du verstehst, was ich meine.

All diese Details mögen sich zeitaufwändig anfühlen, aber du solltest sie dir zur Gewohnheit machen. Sei besessen von deinem Sound und wie er aufgebaut ist, denn sobald du einen Song veröffentlichst, ist von Dauer.

2. Lerne, deine grundlegenden Audio-Mixing-Tools zu beherrschen

Bevor du sich in den „Kaninchenbau“ komplexer Mischtechniken wie Parallelkompression oder Mid-Side-Verarbeitung verkriechst, musst du die Grundlagen beherrschen.
Eine gute Mischung lässt sich mit nur vier grundlegenden Werkzeugen herstellen.

• Pegel – Passe den Gesamtausgang einer einzelnen Spur oder eines Busses (Gruppe von Spuren) an, um ihn etwas lauter oder leiser zu machen – denke an die Fader auf einem Mischpult.
• EQ – Es gibt zwei Hauptansätze für den EQ: subtraktiv und additiv. Der subtraktive EQ wird benutzt, um unerwünschte Frequenzen zu entfernen (z. B. einen Hochpass bei 100 Hz) und die Nebenfrequenzen in einem bestimmten Signal abzusenken. Der additive EQ wird zur Anhebung von Frequenzen verwendet, um z. B. einer Gesangsspur einen schönen „Glanz“ in den Höhen zu verleihen. 
• Panning – Positioniere ein Instrument einfach innerhalb des Stereofelds (links oder rechts).
• Kompression – Die Kompression wird hauptsächlich dazu verwendet, die Audio-Dynamik zu reduzieren, sobald diese einen bestimmten Schwellwert überschreiten. Auf diese Weise wird der Unterschied zwischen den leisesten und lautesten Abschnitten des Signals verringert und ein homogener Klang erzeugt, der es erlaubt, die Elemente in der Mischung miteinander „zu verkleben“. 

Du musst diese vier Werkzeuge leben, essen und atmen.

Sie sollten in deinen Träumen vorkommen und du solltest sogar auf der Toilette an sie denken.

Bevor du also einen Sub-Harmonic-Generator benutzt, der über den Sidechain den Multiband-Exciter auf dem parallelen Drum-Bus ansteuert, solltest du sicherstellen, dass du eine gute Mischung mit diesen „Big Four“ erreichst.


3. Gib den musikalischen Elementen in der Mischung Raum

Die Erkenntnis, dass jedes Instrument über ein komplettes Frequenzspektrum verfügt, ist der erste Schritt, um zu verstehen, dass diese Instrumente nicht immer alle Frequenzen „benötigen“.

Eine Gesangsspur kann beispielsweise Frequenzen unterhalb von 100 Hz enthalten, die in einer Mischung zu unerwünschten Ergebnissen führen können. Wenn du dir ein beliebiges Vocal-Mixing-Tutorial auf diesem Planeten angesehen hast, weißt du wahrscheinlich inzwischen, dass man eine Gesangsspur im Bereich von 80 bis 120 Hz mit einem Hochpass filtern sollte, um Bassfrequenzen zu reduzieren, die dröhnen und letztlich dafür sorgen, dass die Stimme über dem Mix schwebt anstatt sich in ihn einzufügen.

Es kann aber auch sein, dass andere Instrumente den für ein bestimmtes Element benötigten Frequenzraum brauchen, um sich durchzusetzen.

Klingt es so, als könnte die Kick nie laut und druckvoll genug sein?

Vielleicht gibt es Frequenzen im Bass und in der Gitarre, welche die Grundfrequenz der Kick überlagern.

Zu verstehen, dass jedem Instrument bestimmte Frequenzpunkte zugeordnet sind, ist der erste Schritt, um Räume zu schaffen, in denen jedes Instrument sein Zuhause hat (ein weiterer Grund, warum EQ so wichtig ist und du ihn verstehen musst, als hinge dein Leben davon ab).

Das führt uns zur letzten Komponente in einem guten Mixdown.
 

4. Wenn du es nicht hörst, dann lass es sein

Wir haben also gerade gelernt, dass es im gesamten Frequenzspektrum nur begrenzten Platz gibt, damit sich ein Element durchsetzt.

In der Tat ist es nicht ungewöhnlich, dass fast 60 bis 70 % der Frequenzen eines Instruments beschnitten werden, damit es sich im Mix durchsetzt.

Denn nur wenn sein Klang auf das Wesentliche reduziert wurde, können andere Elemente den leeren Raum füllen, den wir mit der subtraktiven EQ-Methode geschaffen haben.

Und damit kommt der schwierigste Teil der Arbeit eines jeden Kreativen – zu entscheiden, was bleibt und was geht.

Vielleicht brauchst du keine vier gelayerten Synthesizer. Stattdessen ist es vielleicht sinnvoller, die Qualität von ein oder zwei Sounds zu verbessern, die einen bestimmten Frequenzbereich ausfüllen, bevor du versuchst, deine Mischung mit noch mehr Instrumenten „voller“ klingen zu lassen.

Entgegen der Logik wird ein „voller Mix“ durch weniger Elemente erreicht, die alle perfekt in ihre jeweilige Nische passen. Und was noch wichtiger ist: Es bleibt genug Raum für die tiefen Frequenzen, um zu atmen und die Wucht zu erzeugen, nach der viele Musiker und Produzenten in einem Mix suchen.

Wir verstehen, dass es schwer sein kann, sich von den Ohrwürmern zu verabschieden, die in deinem Mix versteckt sind und die du ohnehin kaum hören kannst, aber deine Zuhörer werden den Unterschied hören, wenn nicht zu viele Elemente um denselben Platz kämpfen.

Mische nicht mit den Augen, sondern mit den Ohren.

Wenn du es sowieso nicht hören kannst oder es nichts Besonderes zu einem Track beiträgt, lass es weg.

Viel Spaß beim Mischen,
- Deine Freunde bei Mackie

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